Enrique Tábara Zerna

(1930, Guayaquil, Ecuador) es un maestro de la pintura ecuatoriana y representa en su conjunto la cultura hispana pictórica y artística.

Tábara se interesó en la pintura a la edad de tres años y dibujaba regularmente a la edad de seis años. En estos primeros años, Tabara fue alentado por su hermana y su madre. Enrique Tábara, sin embargo es un creador que investiga y desmitifica la imagen en la que se refugia. El espíritu enérgico e innovador de Tábara es una constante que revela el espíritu inquieto y versátil del maestro. Un maestro de la experimentación, que es plenamente consciente de sus raíces y el proceso que ha seguido en los últimos años, con abundantes obras que mostrar a cambio.

Tábara estuvo muy influenciado por el movimiento constructivista, fundado alrededor de 1913 por el artista ruso Vladimir Tatlin, hizo su paso en Europa y América Latina por medio del pintor uruguayo Joaquín Torres García y el pintor parisino ecuatoriano Manuel Rendón. Torres García y Rendón hicieron un enorme impacto en los artistas principales de América Latina como Enrique Tábara, Aníbal Villacís, Félix Aráuz, Theo Constante, Oswaldo Viteri, Maldonado, Estuardo y Carlos Catasse, entre otros.

PINTURAS

Muro verde con collage

Esta obra es realizada en oleo y es contemporanea. El peso visual esta en el lado inferior de la obra  y tiene un enfasis vertical. Se puede interpretar esta obra como un armario con lo que podria ser medias o zapatos la cual tiene un orden y una jerarquia, los colores verdes dan un toque de naturaleza y al mismo tiempo de antiguedad y tiene elementos que sobresalen de la obra por su color .

Flores

Esta obra es realizada en oleo y es contemporanea, se basa en la naturaleza principalmente en las plantas. El peso visual esta en la parte inferior y tiene un enfasis vertical. Se puede interpretar esta obra el florecimiento de las plantas ya que se ve que esta flor es muy frondosa y tiene muchos colores muy vivos que da la impresion de vitalidad, ademas podemos ver que esta desde la raiz hasta las hojas ademas tiene una variedad de flores muy hermosas.

 Verde Vegetal

 Esta obra es realizada en oleo y es contemporanea. El peso visual esta en el centro y tiene un enfasis vertical. Se puede interpretar esta obra como la reunion de seres en un mismo punto, el fondo negro hace que resalte los colores celestes y verdes, los elementos no tiene forma definida.

Oswaldo Viteri

Pintor y escultor ecuatoriano, nacido en Ambato, provincia de Tungurahua, Ecuador, en 1931.

Artista neofigurativo, ampliamente reconocido por su trabajo de ensamblajes, aunque su obra abarca también la pintura, el dibujo, los grabados y los mosaicos.

Comenzó su educación como estudiante de Arquitectura en la Universidad Central del Ecuador, en Quito, en 1951. Colaboró en el taller de Oswaldo Guayasamín, a quien ayudó en 1959 en el encargo de un mural para el Ministerio de Obras Públicas.

Durante la década de 1960, se centró en la pintura y estudió Antropología y Folklore.

En 1966, se graduó en Arquitectura y fue nombrado director del Instituto Ecuatoriano de Folklore.

Comenzó a explorar técnicas de arte experimental incorporando a sus obras el collage y colocando objetos superpuestos a sus lienzos. Realizó sus primeros ensamblajes en 1968, comenzando a mostrar sus obras en exposiciones internacionales en la década de 1960, siendo incluido en las bienales celebradas en 1964, en Córdoba (Argentina), y en 1969, en São Paulo, en las que recibió sendas menciones honoríficas.

Su trabajó tomó una vertiente más escultórica durante los años 70, como reflejan sus múltiples series de ensamblajes en los que utiliza muñecas de trapo y material de desecho.

Muchas de sus obras se encuentran en algunos de los museos y galerías más prestigiosos del mundo, entre las que podemos destacar la galería Uffizi, que cuenta con un autorretrato.

Ha resultado nombrado candidato en dos ocasiones al Premio Príncipe de Asturias de las Artes

PINTURAS:



Cristo Yacente, Homenaje a Caspicara

un buena reseña de lo sucedido Inspirado en la salvación de dios asía los humanos pecadores dando

 Con un rojo profundo y un buen sentido de la observación.

Eduardo Kingman Riofrío

(Loja, 1913 - Quito, 1998) fue un pintor ecuatoriano.
Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue matriculado en la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la primaria, pero como dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de secundaria en el Mejía decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.
En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano Aguilera” de Quito.
En junio del 46 expuso en el Museo de San Francisco. La revista Time, le coloca entre los grandes pintores de Hispanoamérica, luego fue a Nueva York y expuso en la Unión Panamericana de Washington. En el l 49 expuso en el Museo de Arte Colonial, veintiséis oleos con motivos populares y colores frescos, briosos, alegres. En el 55 expuso en Guayaquil. El 56 en Bogotá y en Caracas. Para el 74 había expuesto en la Maxwell Galleries de San Francisco.
Reconocimientos
En 1953 obtuvo el I premio del quinto salón de Artes Plásticas. El 59 ganó el Primer premio en el “Mariano Aguilera” con “Yo el prójimo”, visión aterradora de un mundo en crisis. El 73 le fue concedida la medalla al mérito Artístico de la Municipalidad de Guayaquil y el 75 la condecoración Nacional al Mérito con el grado de Comendador.
Tendencia artística
Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales. El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de las manos”.

PINTURAS:

Estas manos estan atadas podríamos decir que es el resultado realizado del trabajo forzado y que llaman por una libertad justa.

Fin de Fiesta 194

Fin de fiesta este es una realidad que todavía persiste en algunas comunidades los esposos por lo general toman hasta emborracharse y se quedan tirados en el camino y las mujeres tienen que esperar hasta que se despierten.

La Hora Obsura 1965

Esta pintura nos demuestra el maltrato al indígena que solía ser con frecuencia en las haciendas, las marcas causadas por el látigo son el recuerdo de un mundo lleno de injusticia. Tránsito Amaguaña en una de sus entrevistas expreso "Los patrones una lástima pegaban a los indígenas desnudos".

HUMBERMO MORE

                  

Humberto Moré

Pintor, escultor y moralista esmeraldeño nacido en 1929, y cuyo nombre de pila fue Lalot Rivadeneira Plata.

Su vocación artística se empezó a manifestar desde su más temprana edad cuando descubrió que los colores de los juguetes le producían satisfacción y emoción; luego fueron el teatro y el cine las expresiones que lo envolvieron, y, finalmente, se acercó al dibujo copiando figuras y fotografías de revistas, las tiras cómicas de los periódicos y los anuncios del cine.

A los veinticinco años de edad, convertido en un artista autodidacto, presentó su primera exposición en Milagro y la segunda en Guayaquil, en la joyería “Esmeraldas”.

Fue contemporáneo de Enrique Tábara, Luis Molinari y Estuardo Maldonado, es decir, de esa selección de artistas jóvenes que iniciaron la renovación de la plástica guayaquileña entre las décadas del 50 y del 60.

Original en todos sus conceptos, definió sus inicios como “expresionismo diferente”, al que siguió luego una tendencia a la geometrización apoyada en círculos y valorada en colores luminosos; de allí pasó a una estilización post-cubista, basada en un criterio que lo llevaría a obtener el Primer Premio en el Salón de julio, de Guayaquil, en 1962.

Estudioso del arte contemporáneo ecuatoriano, a mediados de la década del 60 se involucró en lo que él llamó “Signología Funcional”, y diez años más tarde, en Quito 

Oswaldo Guayasamín Las manos de la Protesta

El padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena de ascendencia kichwa y su madre (Dolores Calero) era mestiza. Su padre (José Miguel Guayasamín) trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo fue el primero de diez hijos.

Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.

A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un levantamiento cívico militar, en contra del gobierno de Arroyo del Río. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura.

En 1942 expone por primera vez a la edad de 23 años en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller, impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro. Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en EEUU. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente.

También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras. En sus pinturas posteriores figurativas trata temas sociales, actuó simplificando las formas. Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales y fue acreedor, a los 36 años, del Gran Premio en la III Bienal Hispanoamericana de Arte, que se llevó a cabo en 1955 en Barcelona¹ y más tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.

Es elegido presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana en 1971. Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo: Venezuela, Francia, México, Cuba, Italia, España, EE. UU., Brasil, Colombia, Unión Soviética, China, entre otros. En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos.

En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia.